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Hernán Borisonik

Este libro insiste en una pregunta actual e intempestiva, luego de tantos diagnósticos que la daban por agotada en todas sus fases: la pregunta por el arte. Pero al mismo tiempo, a través de ese objeto, su autor abre una pesquisa sobre el sistema del mundo contemporáneo y logra colocar a la crítica de arte sobre la tela de fondo de una filosofía, de una ciencia política, de una economía que utiliza para comprender la magnitud que alcanza la pregunta sin respuesta acerca de qué es el arte de hoy.
 
"En este volumen se trabajan con maestría algunas cuestiones fundamentales para la comprensión del estado del arte actual, como el tan visitado –pero nunca resuelto– problema de la autonomía o heteronomía, la subjetividad autoral en un mundo tecnificado en el que la generación de imágenes es cotidiana o la potencia de la creación de cara al Antropoceno. Asimismo, Borisonik soluciona con una claridad insuperable la confusión o asimilación contemporánea entre el diseño y el arte. Así, describe los trazos de un mundo que muta: digitalización de la experiencia vital, literalidad, neoliberalismo, el lugar del cuerpo. Y lo hace en diálogo con tradiciones y reflexiones que van de la metafísica al psicoanálisis y de Aristóteles a McKenzie Wark, pasando revista de los grandes movimientos de las últimas siete décadas. 
La necesidad del autor es la necesidad del mundo actual, o lo que queda de él, es la urgencia de poder decir sí a la vida, al arte y a la filosofía, de sostener la pregunta justa y luchar contra las respuestas inmediatas. No por pasiones disciplinares o policiacas, sino por una exigencia temblorosa que insiste frente a todo pronóstico. Si la pregunta por el arte es la pregunta por el estado del mundo presente y su peligroso futuro, este libro es una muestra de lo que la filosofía aún puede sostener. Su lectura fluye de manera atrapante, sostenida por la pasión y la tensión de una escritura que mantiene en vilo a quien la afronta, desde su comienzo en la Bienal de Venecia hasta su crucial afirmación final" (Fabián Ludueña Romandini).

Miño y Dávila

CAEZ Artes en Zig Zag

Persistencia de la pregunta por el arte

Mateo Belgrano

El 11 de marzo de 2021 se vendió en una subasta por 69,3 millones de dólares un archivo digital creado por Mike Winkelmann, también conocido como Beeple. Esta venta produjo un importante revuelo en el mundo del arte. La aparición de los NFTs, o tokens no fungibles, una nueva forma de autentificar la propiedad y autenticidad de obras de arte digitales en el blockchain, promete transformar el escenario artístico mundial. ¿Qué implicancias tienen estas recientes tecnologías en el futuro próximo del arte? ¿De qué manera transforman los modos de producción artística? ¿Y de consumo? ¿Cómo repercute en los coleccionistas, en el mercado del arte y en las instituciones artísticas, como los museos? ¿Qué cambios traerá esta tecnología incipiente? ¿Es una revolución o más bien es una moda pasajera, una burbuja financiera? ¿Vino el criptoarte para quedarse? ¿Significará una liberación para los artistas de los intermediarios, los museos, las discografías, de todas aquellas instituciones que le confieren a las obras el estatus del arte? ¿O por el contrario terminará de poner a los artistas de rodillas ante el mercado capitalista?¿Estamos alcanzando una utopía tecnológica o más bien una distopía? El gesto criptográfico pretende reflexionar sobre estos interrogantes en un contexto donde aún todo está por verse.

El gesto criptográfico: Reflexiones en torno a la emergencia del criptoarte

Hélio Oiticica

Esta selección de textos de Hélio Oiticica es especialmente importante. Son escritos que constituyen un momento central para el neoconcretismo en general, así como, en particular, para comprender el pasaje de la bidimensionalidad a la expansión en el espacio, tanto en su obra como en su pensamiento. 
Nunca en Argentina (ni tampoco en Brasil) este conjunto había sido tan clara y específicamente agrupado en un volumen único alrededor de ese período. Muchas de sus partes se encontraban aún inéditas hasta hace poco tiempo y otras se habían divulgado individualmente o diluidas en distintas publicaciones. 
Pero además de implicar un momento de gran novedad en el desarrollo individual de este gran artista, lo son también en relación con la época y, en particular, con nuestro continente. Fue un momento de gran despliegue material, de un nuevo uso de los medios y los modos de crear y exponer arte, de enorme interacción entre intelectuales y artistas, de diálogos con las ideas del movimiento hippie y también del último estertor del Estado de bienestar antes de su brutal caída frente al neoliberalismo impuesto, en esta parte del planeta, con violencia, terror y gobiernos dictatoriales. 
Frente a eso, la definición del arte como un "ejercicio experimental de la libertad", acuñada por Mário Pedrosa (el crítico de arte brasileño más relevante de la segunda mitad del siglo XX, muy cercano a la obra de Oiticica) cobra una relevancia mayúscula. La experimentación que Oiticica realizó paralelamente a la escritura de estos textos dejó una marca indeleble en las artes visuales. Y la relectura que, desde el siglo XXI, aquí se propone le aportará, sin duda, nuevas dimensiones y significados.

El museo es el mundo (textos 1960-1969)

Sacha Amaral

Jazmín Adler

Durante las últimas décadas, esculturas robóticas, instalaciones interactivas, entornos sensoriales inmersivos, impresión 3D, obras de realidad virtual, y otros tantos proyectos que intersectan el arte y las tecnologías electrónicas –analógicas y/o digitales–, han ido ganando protagonismo en el terreno del arte contemporáneo.

Este libro propone un análisis de la conformación y el desarrollo de la escena integrada por la confluencia entre prácticas artísticas y medios tecnológicos en Argentina, a partir de una serie de problemas desplegados desde la década del noventa hasta nuestros días: ¿De qué maneras el boom digital repercutió en el ámbito de las artes? ¿Cómo fueron las conexiones establecidas desde entonces entre el circuito de las poéticas electrónicas y la escena del arte contemporáneo hegemónico? ¿Cuáles son las fricciones surgidas del encuentro de los paradigmas del arte y la tecnociencia? ¿De qué modos los imaginarios de modernización imperantes han ido delineando poéticas/políticas tecnológicas específicas en el contexto argentino?

A lo largo de estas páginas, se reconstruyen una serie de eventos, obras, relatos curatoriales, espacios de exhibición y plataformas de experimentación e investigación que entrañan piezas fundamentales para los devenires del arte y las tecnología, de los cuales existe escasa documentación disponible. Asumiendo el desafío implicado en toda investigación arqueológica, han sido recuperados algunos "eslabones perdidos" de la historia de las poéticas electrónicas en Argentina, tramas aún no visibilizadas de un camino en construcción y expansión.

En busca del eslabón perdido: Arte y tecnología en Argentina